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Rita Martorell: Vista doppia

A prima vista le immagini cariche di erotismo della giovane pittrice catalana Rita Martorell sono inquietanti poiché suggeriscono due significati allo stesso tempo. Ció rende la loro lettura un esperimento d’interpretazione impegnativo e interattivo, ancora più affascinante perché le immagini modificate digitalmente si basano su fotografie di cose e di persone reali, trasformate dalla fantasia dell'artista. Così il doppio senso è duplicato e porta a una fusione di significati interdipendenti.

Entrambi i nuovi gruppi su larga scala delle opere in mostra riguardano suggestive immagini polivalenti, la cui interpretazione dipende dalla psicologia soggettiva dello spettatore e dalla sua esperienza. Entrambi implicano la trasformazione fotografica e l'immagine digitale. Un gruppo si basa sulle opere figurative su carta che l'artista ha prodotto negli ultimi dieci anni, trasformate in composizioni monumentali di figure tatuate. L'altro presenta misteriose immagini cariche di erotismo che assomigliano alle figure “gestalt” di Rohrsach, ideati a partire da macchie d'inchiostro simmetriche e sviluppati per i test psicologici. Queste sono monocromatiche nella gamma di colori dal rosa al viola e presentano un’ illuminazione caratteristica di chiaroscuro aumentata.
L’ origine nelle lenzuola color pastello che le sono state regalate con il nome Rita ricamato sopra, non é chiaro fino a quando l'artista non identifica la fonte delle immagini sorprendenti, bizzarre e talvolta grottesche, tutte dotate di forti associazioni con parti di pelle e del corpo.

Quello che vediamo, naturalmente, è quello che abbiamo progettato nel nostro inconscio. Per alcuni, possono essere viste come delle immagini di copulazione o di parto, per altri, possono sembrare delle ferite fasciate. E forse per quelli con una mentalità più letterale, esse potrebbero apparire come dei letti sfatti. L'idea che le forme vaghe potrebbero essere interpretate in molti modi è stata inizialmente portata avanti da Leonardo da Vinci nel suo Trattato della pittura come "un modo di aumentare e di destare l'ingegno a varie invenzioni". Leonardo consigliava di cercare l’ispirazione guardando delle macchie o delle nuvole. Egli non considerava nessun soggetto come inappropiato. "La persona che non ama allo stesso grado tutte le cose presenti nell'arte della pittura, non sarà un universalista", ha scritto, dando l’ esempio di Botticelli che gettò una spugna imbevuta con vari colori contro un muro per fare una macchia, e che poteva evocare molte associazioni diverse: "Se è vero che in questa macchia è possibile distinguere diverse invenzioni, o meglio ciò che si vuole trovare in esso, come delle battaglie, degli scogli, dei mari, delle nuvole,delle foreste ed altre cose simili, allora sicuramente , questo è come il suono delle campane in cui ciascuno può capire ciò che vuole. "

Secondo Leonardo, le macchie o le formazioni rocciose potrebbero suggerire dei paesaggi ", con delle montagne, dei fiumi, delle rocce, degli alberi, delle estese pianure, delle valli e delle colline". I significati che queste macchie amorfe potevano suggerire erano così diversi che Leonardo, guardandole , riteneva che ” Si possono anche vedere diverse scene di battaglia e dei movimenti composti da figure singolari, di volti con delle espressioni strane, e miriadi di cose che si possono trasformare in una forma completa e corretta, essendo delle parti di pareti e di rocce simili. "L'immaginazione avrebbe trasformato le macchie sui muri, le ceneri dal fuoco, le nuvole, il fango, o altre cose simili, in invenzioni fantastiche che risvegliano il genio del pittore e lo portano verso nuove invenzioni, come la composizione di battaglie, di animali e di uomini, così come la composizione di paesaggi diversi, e anche delle cose mostruose, come dei diavoli e simili. "Circa 500 anni dopo, Rita Martorell avrebbe seguito il consiglio di Leonardo a memoria in una serie di opere che insinuano delle immagini oniriche e che si basano sul luogo dove le persone sognano,avvolti nelle lenzuola. Se i sogni sono dolci oppure sono degli incubi, questo dipende da chi sta guardando le sue immagini provocatorie e misteriose.

Rita Martorell Coderch è nata il 29 marzo 1971 a Zurigo in Svizzera, ed è cresciuta in Olot, una città costiera nella provincia catalana di Girona. Ha studiato arte e disegno presso la prestigiosa scuola di La Massana, a Barcellona. Grazie al loro programma di studio all’estero, nel 1993 poté studiare in Francia presso l'École des Beaux Arts di Saint-Étienne, dove ha cominciato a sperimentare con l’ incisione litografica e la fotografia, affascinata dalle immagini elegantemente decadenti di Redon e di Egon Schiele. Nel 1994, la pittrice ha continuato la sua educazione artistica a Strasburgo presso la École des Arts Décoratifs, dove continuò a fare delle stampe e cominciò a concentrarsi sui disegni. Durante il suo soggiorno a Strasburgo, entró in contatto con l'espressionismo tedesco e viaggió per tutta la Germania, dove familiarizzó con il lavoro di Rebecca Horn, di Joseph Beuys e di Sophie Calle. Tuttavia, anche se ammirava questi artisti concettuali che utilizzavano gli oggetti reali, la pittirce ha sempre preferito le tecniche tradizionali di pittura e disegno.

Tornata in Spagna, a Madrid ha studiato scultura presso la Escuela de Artes y Oficios dove si insegnavano arti come la fotografia e l'incisione. Ha continuato a dipingere e a scolpire, diventando sempre più interessata al volume e al suo rapporto con lo spazio, e nel frattempo, ha anche studiato presso la Escuela de Arte 10 de Madrid; continuando a indagare nel campo della fotografia e delle tecniche digitali. Ha fatto delle serie e delle sequenze di foto-incisioni e di serigrafie, basandosi principalmente sulla sua attrazione verso artisti americani come Warhol, Johns, Rosenquist, Rauschenberg e Keith Haring, così come per il tedesco Gerhard Richter, le cui opere sono state ampiamente riprodotte, anche se non molto viste in Spagna.

Oggi un artista può scegliere qualsiasi argomento, qualsiasi mezzo, e qualsiasi tipo di ossessione. Eppure è proprio questa libertà senza limiti che diventa problematica. Rita Martorell ha cercato, come ogni artista deve, uno stile personale e una visione individuale, avendo il vantaggio di un dono speciale per la creazione di profili convincenti che catturarano la vita. L’autrice adopera l’ inchiostro, il grafite, il gouache e l’acquerello con sicurezza. L'energia dei suoi colpi e delle linee comunica una risposta vivace e cinetica alla forma attiva umana in movimento.

Il suo è un talento naturale per la pittura e la scultura. La forma in cui lo usa e come sfrutta il suo dono, dipende dalle scelte che fa in un momento senza regole che guidano l'artista alla ricerca di un contenuto contemporaneo significativo. Il suo lavoro mostra non solo una tecnica brillante, ma anche un interesse intellettuale per la psicologia e la sociologia, che le ha permesso di accedere ad altri tipi d’ immagini che avvicinano le macchie di Leonardo ai moderni metodi di analisi psicologica, come il test di Rorschach. Sulla base delle macchie d'inchiostro, il test di Rorschach è un test psicologico in cui vengono registrate e poi analizzate le percezioni di soggetti, utilizzando l’interpretazione psicologica delle macchie. Alcuni psicologi utilizzano questo test per esaminare le caratteristiche della personalità di una persona e il suo funzionamento emotivo. È stato inoltre impiegato per rilevare un disordine sottostante del pensiero, e prende il nome dal suo scopritore, lo psicologo svizzero Hermann Rorschach che nel 1921 creó il suddetto test basato sulle macchie d’inchiostro.

Dopo aver studiato centinaia di pazienti con problemi mentali e soggetti di studio, nel 1921 Rorschach scrisse il suo libro “ Psychodiagnostik “ e selezionò dieci soggetti per un’evaluazione diagnostica. Nel 1927, la neo-fondata casa editrice Hans Huber acquistó il libro di Rorschach. Ogni macchia presenta una quasi perfetta simmetria bilaterale. Nella fase di libera associazione, l’ esaminatore presenta al soggetto di studio una macchia alla volta in una sequenza di set . L'obiettivo generale del test è quello di fornire dei dati sulle variabili cognitive e della personalità, come le motivazioni, le tendenze di risposta, le operazioni cognitive, l’affettività , e le percezioni personali e interpersonali. L'ipotesi sottostante rivela che un individuo classifica gli stimoli esterni basati su set di percezione di una persona specifica, comprese le esigenze, le motivazioni di base, i conflitti, cosí come mostra che questo processo di classificazione è rappresentativo del processo utilizzato in situazioni di vita reale.

I sistemi di punteggio di Rorschach generalmente includono un concetto di "determinanti". Questi sono i fattori che contribuiscono a stabilire la somiglianza tra le macchie d’inchiostro e il contenuto della risposta del soggetto . Essi rappresentano alcuni atteggiamenti di fondo esperienziale-percettivo, mostrando gli aspetti del modo in cui un soggetto percepisce il mondo. La forma è il determinante più comune, ed è relativo a processi intellettuali; le risposte al colore spesso forniscono informazioni dirette sulla vita emotiva. L’ombra e il movimento sono stati considerati in una forma piú ambigua, sia nella definizione sia nell’ interpretazione: Le forme indefinite dei tessuti dei letti di Rita Martorell suggeriscono delle parti corporali, non solo nel modo in cui sono stati deliberatamente organizzati dall 'artista, ma anche grazie al chiaroscuro estremo creato da lei attraverso l'illuminazione concentrata, che crea l' illusione di una drammatica forma tridimensionale, un'altra idea che prende in prestito da Leonardo da Vinci.

Dagli esperimenti di Rorschach potrebbe aver imparato che più di un determinante può contribuire alla formazione della percezione del soggetto, e che la fusione di due determinanti viene presa in considerazione, mentre si valuta quale dei due costituisce il principale fattore, ad esempio, "Forma-colore" implica un controllo più raffinato dell’ impulso rispetto a quello di "colore-forma". In questo contesto, la serie dell'artista della biancheria da letto, può essere considerata come un insieme d’ immagini di Rorschach, rispetto alle quali, se le risposte dello spettatore si fossero registrate, si sarebbe generata una quantità impressionante d’informazioni personali, in quanto viene manifestato qualsiasi tipo di pregiudizio psicologico. Fortunatamente si può godere di queste opere e del gioco d’interpretazione, cosi come delle sue immagini formali e drammatiche in privato. (Nessuno ha bisogno di sapere cosa stai pensando mentre guardi, ciò contribuisce al senso di privacy, d’ intimità e anche di voyeurismo, che è anche tipico dell’ esperienza di guardare le figure tatuate che abitano un mondo segreto sotterraneo). E infatti, quando le immagini sono così intenzionalmente polivalenti, le nostre risposte rimangono nella sfera emotiva piuttosto che in quella critica e intellettuale.

Entrambe serie di immagini suggeriscono delle esperienze possibilmente dolorose come delle ferite o la penetrazione , che possono essere associate, alternativamente, a un'esperienza piacevole come le immagini orgasmiche delle lenzuola o l'attrazione masochista di tatuarsi, e all'idea che le persone tatuate siano coinvolte in una sessualità "viziosa" e aberrante , o essere un incubo, ... o l'allusione sessuale, la gravidanza, l'orgasmo. Le grandi immagini del simbolismo simmetrico di Rorscharch sono particolarmente inquietanti, suggeriscono degli incubi terribili, che la penetrazione sessuale possa essere violenta invocando l'incubo dello stupro, il dolore della gravidanza, o il piacere dell'orgasmo. Le lenzuola in sé e per sé possono evocare diverse associazioni. I bambini vengono fasciati con esse mentre i morti vi ci vengono avvolti. Le lenzuola toccano la nostra pelle mentre dormiamo. Passiamo gran parte della nostra vita tra le lenzuola e, naturalmente, si associano inevitabilmente non solo con il sogno ma anche con il sesso.

Ci sono precedenti per l'utilizzo d’ immagini ambigue polivalenti per svegliare la fantasia e presentare delle configurazioni problematiche. Ispirato da Rorschach, Salvador Dali credeva che gli schizofrenici paranoici vedevano più cose rispetto al resto degli esseri umani perché sosteneva che hanno il potere allucinogeno di vedere delle immagini doppie. Quindi decise di formulare un metodo con cui avrebbe potuto indurre consapevolmente un simile stato di delirio, e lo chiamó il metodo critico-paranoico, e lo definí come “un metodo spontaneo di conoscenza irrazionale basato sull’ oggettivazione critica e sistematica di associazioni e interpretazioni deliranti".

Dalí impiega la tecnica del sogno lucido usando uno stile di precisione quasi magistrale. Il sottotesto di paure sessuali e di ansie latenti, viene fuori anche nel contenuto esposto. Nell’ automatismo psichico, termine che Dali utilizzó per il suo processo di manipolazione dell'inconscio, un'immagine si trasforma in un’ altra grazie al gioco indiretto del pensiero. Dali induceva deliberatamente una visione paranoica con un sistema basato sul delirio e l'irrazionalità, che consisteva in una figura o un campo di lettura doppia del contenuto latente contro quello manifestato. Dali ha descritto questo processo nel suo trattato intitolato "Dichiarazione d’ Indipendenza dell’Immaginazione e dei Diritti dell'Uomo alla sua stessa Follia". Miró, un altro catalano, una volta disse che uno spagnolo non aveva bisogno di essere un surrealista perché era già irrazionale di per sé. Tuttavia fu il surrealismo che ufficialmente abbracció l'estetica della "bellezza convulsiva" e il "meraviglioso", tratti dall’immaginario onirico e da un’ esplorazione dell’inconscio d’ispirazione freudiana.

Mentre Salvador Dali finí la sua carriera nel cinema facendo delle sequenze di film per Hitchcock e Walt Disney, Rita Martorell, un’avida appassionata di cinema, comincia proprio da questo settore. Come parte naturale della sua cultura catalana, Rita Martorell sarebbe d’accordo con le teorie di Dalì. Per quanto riguarda la pertinenza degli esperimenti di Rorschach nella sua opera, sappiamo che nella metà degli anni 1990, gli esperimenti ispirati dalle sue macchie d’inchiostro si sono concentrati su indici di misurazione del narcisismo, sui disordini del pensiero, e sul malessere nelle relazioni intime. Queste sono le reazioni specifiche e intense che evocano le serie di biancheria da letto di Rita Martorell. Le sue serie d’ ingrandimenti fotografici di letti con lenzuola rosa o viola visti dall'alto praticamente non hanno nulla a che fare con la biancheria che copre i letti. I nostri occhi cercano un oggetto identificabile, ma tutto è stato ridisegnato e ha assunto un aspetto astratto, indefinito e irreale.

Le pieghe dei cuscini e delle lenzuola, le rughe, le luci e le ombre, tutti i particolari alludono alle immagini che possono essere comprese e presentate attraverso la suggestione del test di Rorschach. Il lenzuolo è anche un'immagine mistica incarnata nella Sindone di Torino, una misteriosa immagine doppia. Era veramente il sudario che avvolse il corpo di Cristo o lo é solo nella fantasia dello spettatore che vede l'impronta santa? I neonati vengono avvolti in fasce, come i morti vengono avvolti in lenzuola funebri. Così le lenzuola sono sia Eros che Thanatos. La realtà sembra essere molto più allucinante, irrazionale, e soggetta al desiderio e alla paranoia personali, piuttosto che oggettiva. Dali contrappone il ragionamento, la mente razionale a ciò che è fantasioso e fantastico, e la poesia dell'inconscio e la "bellezza convulsiva" sono gli elementi che alla fine vincono. Questa è l'estetica che impregna anche le opere di Rita Martorell.

Rispetto all'influenza dei film nella sua opera bisogna dire che, quando viveva in Francia come studente d'arte, diventó fan accanita dei film, e che il cinema è rimasto sempre un interesse centrale nella sua vita. Quando la pittrice ritornò a Barcellona iniziò a pensare ai film come una fonte d’ ispirazione per il suo lavoro, grazie alla loro capacità di evocare delle emozioni forti. Attraverso il collage, in un primo momento Rita introduce le immagini che aveva sviluppato nelle sue composizioni. Ma successivamente si rende conto che le scene, il dialogo, e la musica del cinema sono più immediate rispetto al collage. La pittrice vuole quella intensità e quella contemporaneità nel suo lavoro, e proprio per questo motivo inizia a studiare delle tecniche di riproduzione che permetterebbero quel tipo di fusione che è possibile nel montaggio dei film.

Nel gruppo di opere basate sui corpi tatuati, è stata in grado di fondere il suo talento per il disegno tradizionale con le tecniche e l'approccio dei nuovi media attraverso i processi digitali. Per creare le doppie immagini dei personaggi disegnati in movimento e le fotografie di figure tatuate, crea direttamente nello spazio virtuale del computer, nel quale trasferisce i disegni e le fotografie. La sua ricerca di un tema intimo, intenso, legato alla pelle, come le lenzuola sono legate alla pelle e al corpo, la porterà a indagare nei luoghi di ritrovo di Madrid, dove i giovani si riuniscono in cerca di sensazioni. L’autrice inizió quindi ad appassionarsi ai tatuaggi elaborati che molti di questi giovani utilizzavano come ornamento del corpo, e cercò dei soggetti con tatuaggi complessi che le interessassero, e poi li persuase ad adottare le posizioni che lei aveva dipinto nei suoi disegni. Successivamente fotografó i corpi tatuati in piedi, sdraiati, in ginocchio, ecc, con una macchina fotografica digitale. Queste immagini sono state poi scaricate nel suo computer insieme alle immagini digitalizzate dei disegni, fornendo in tal modo il numero d’ immagini necessarie per realizzare l'attuale serie di opere figurative mediante un processo di assemblaggio e di stratificazione. Spesso era una parte del corpo a dominare l’intera opera.

Figlia del ventunesimo secolo, Rita Martorell non è incatenata alle convenzioni che caratterizzano l'arte religiosa del passato. Ma questa libertà di rappresentare dei modelli nudi non é accettata in una Spagna puritana a parte alcune importanti eccezioni (per esempio La Discesa agli inferni di Alonso Cano) fino ai tempi moderni. Il suo interesse per le figure in movimento in contrapposizione alle pose congelate del passato, porta altre sfide. I suoi disegni a pennello sono dei riassunti espressivi dei corpi in movimento che ci ricordano gli acquerelli di Rodin e i primi studi di nudo di Georgia O'Keeffe.

Anche se l’autrice ha realizzato dei ritratti su commissione in stile tradizionale, il suo lavoro personale si concentra sul corpo nudo. La differenza tra lo scoperto e il nudo è stata inizialmente discussa da Kenneth Clark nel suo studio classico “Il Nudo”. Contraddicendo le norme formali dell’epoca sulla nudità nell'arte, Clark ha citato un passaggio influente dell’ opera di Samuel Alexander “La Bellezza ed altre forme di Valore” , in cui si riteneva l’ eccitazione erotica irrilevante per l'estetica: "Se il nudo è cosí ben ricreato tale da sucitare delle idee o dei desideri corrispondenti al soggetto in questione, si tratta di arte falsa e di principi morali non buoni". Per Clark, questa teoria illuminata era contraria all’esperienza ..” nessun nudo, anche se astratto, dovrebbe fallire nel suscitare nello spettatore una traccia di sentimento erotico, anche se fosse solo la più pallida ombra, e se non lo fa, è arte non buona e di etica falsa”. Il desiderio di afferrare e di essere unito con un altro corpo umano è una parte così fondamentale della nostra natura, che il nostro giudizio di ciò che è noto come 'forma pura' è inevitabilmente influenzata da esso ".

Gli storici dell'arte e gli artisti sono sempre più interessati ai problemi di quella che potremmo definire "eccitazione dello spettatore". Il nudo è stato il tema centrale di tali inchieste. In che momento la sensualità diventa sessualità? Spersonalizzata nell’ arte "interattiva", l'empatia va di pari passo con l’antipatia. François Quiviger, uno studioso del Warburg Institute, ha scritto un libro recente su “Il mondo sensoriale del Rinascimento italiano” che esplora le teorie rinascimentali dei cinque sensi, illustrando come queste teorie funzionano nelle opere d'arte, infiammando l’immaginazione e influenzando il comportamento dello spettatore.

Quiviger è affascinato dal paradosso che, mentre l’ arte rinascimentale italiana può essere più naturalistica dell’ arte medievale, essa presenta una maggiore reticenza nella rappresentazione della sofferenza umana, specialmente di quella di Cristo durante la Passione. Egli ritiene che gli spettatori del Rinascimento entrarono così in sintonia con l'idea che la figura umana fosse un soggetto sensibile, che non potevano più tollerare il sangue e le ferite senza disgusto, ed è soltanto nel IX secolo quando la crocifissione è diventata un tema centrale dell'arte cristiana, in quanto lo spettacolo cruento della morte di Dio era già stato sentito come qualcosa di sgradevole. L'adoratore stava per simulare la sofferenza di Cristo con l'auto-flagellazione

L'associazione del corpo con il dolore è stata esaminata da una serie di artisti che hanno praticato ciò che poi si é diffusa con il nome di "arte corporale". Le comuni forme di arte corporale sono i tatuaggi e i piercing, ma altri tipi includono delle scarificazioni e dei marchi. Artisti come Dennis Oppenheim iniziano a creare sulla propria pelle durante degli eventi di body art. Una delle opere più conosciute di Dennis Oppenheim lo raffigura sdraiato al sole con un libro sul petto, fino a quando la sua pelle, tranne quella coperta dal libro, viene gravemente bruciata dal sole. L'importanza attribuita alla pelle che esamina Martorell, è anticipata da una serie di impronte di Jasper Johns fatte con delle parti del proprio corpo in una serie di disegni dal titolo “Pelle”. Tra le opere appartenenti a questa serie c’è un carboncino a grandezza naturale con l’ impronta del proprio corpo dell'artista. Johns si allontana da icone pop impersonali e si avvicina a delle immagini d’ impronte di corpo e di pelle, anticipandosi a sviluppi futuri, come fecero altri artisti più giovani stanchi dell’impersonalità dell'iconografia pop, e cominciò a concentrarsi su temi più personali e intimi.

Insieme a questi nuovi interessi aumenta la performance art, in cui gli artisti usano o abusano del proprio corpo per fare le loro dichiarazioni particolari. Totally Wired, uno spettacolo di gruppo visto di recente al ICA di Londra, riunisce un ampio elenco di artisti internazionali, le cui opere esplorano la natura del corpo umano nell’ età tecnologica di oggi. Per alcuni questo significa un tentativo di trascendere la corporeità, per altri che la carne umana è vulnerabile e viscerale come sempre. Rita Martorell non ha mai sottoposto il proprio corpo alla pratica masochista ma la sua discesa agli inferni del mondo del tatuaggio è un’ esperienza sostitutiva di arte corporale che condivide con noi. Il fatto che le opere che lei produce dipenda dalla tecnologia avanzata, le rende ancora più rilevanti.

Recentemente, visto che il narcisismo è diventato un disturbo di personalità più diffuso, il corpo è diventato un argomento di discussione e di trattamenti molto più estesi, che non possono essere ridotti all’arte corporale nel suo significato comune. Le strategie importanti che questionano il corpo umano sono: gli impianti, il corpo in simbiosi con le nuove tecnologie, il corpo virtuale, ecc.. . Come le persone tatuate, l’artista carnale francese Orlan usa il proprio corpo come se fosse la sua tela, ma la sua arte è più estrema: un bisturi a modo di pennello. Il suo ritratto sconvolgente della chirurgia plastica è esacerbato dal fatto che lei rimane sveglia durante le sue numerose plastiche (usando solo anestetici locali) e parla, mentre l'intervento chirurgico è in corso. Dopo, lei presenta questi video a delle mostre e performance d'arte.

Orlan usa il personale metodo personale della chirurgia estetica per fare una dichiarazione pubblica e teatrale sulla bellezza, l'identità e l'intervento medico. Orlan è profondamente coinvolta nel modo in cui l'aspetto esteriore del corpo influenzi la nostra percezione di noi stessi, e nel modo in cui la tecnologia moderna ci permette di mostrare chi siamo, ridifinendo il nostro aspetto esteriore. Lei definisce il suo lavoro "arte carnale". Orlan scrive sul suo sito, "l’arte carnale non è interessata al risultato della chirurgia plastica, ma nel processo dell’ intervento chirurgico, dello spettacolo e nel discorso del corpo modificato che è diventato il luogo di un dibattito pubblico." Interessante nel suo oggetto e terribile nella sua esecuzione e nella realtà, il lavoro di Orlan è diventato un punto focale nella discussione sulla performance art e sui mezzi vitali di espressione. L'approccio estremo di Orlan nell’ esprimere le sue convinzioni sulla chirurgia e il corpo femminile è efficace? Oppure la sua rappresentazione é semplicemente un altro esempio clamoroso di esibizionismo da parte di un artista autoproclamatosi che cerca disperatamente di ottenere attenzione e notorietà? Orlan sosterrebbe che il narcisismo è una componente necessaria dell’ arte, e che tutti gli artisti sono degli esibizionisti innati ,ció quindi la esime di qualsiasi colpa. Inoltre, Orlan sostiene che il suo messaggio non è contro la chirurgia in sé stessa.

Attraverso i suoi primi esperimenti con i collage, Rita Martorell ha introdotto prima le immagini che ha sviluppato nei suoi disegni. Ha ideato un modo per creare un nuovo tipo d’ immagine, che fusionava le rappresentazioni delle figure che lei aveva disegnato con delle foto di corpi tatuati, che ha sistemato nella stessa pose.

La serie di tatuaggi è stata ispirata dalla sua ricerca d’ immagini contemporanee legate alla cultura immediata e presentate in un linguaggio veramente contemporaneo. Nella sua ricerca di un nuovo tipo d’immagine figurativa, si è resa conto che molte persone stavano usando la propria pelle a modo di superficie per disegnare, facendosi tatuare. L’autrice ha visto che molte persone usavano il tatuaggio come una sorta di vanità o di accessorio di moda, ma quando iniziò a concentrarsi sui tatuaggi si rese conto che c'era un’ intera cultura urbana del tatuaggio, con delle radici nella musica techno, hip-hop e rap che era associata con l’aspetto clandestino del graffiti artistico. L’autrice ha iniziato a parlare con queste persone, ascoltando le loro storie reali di ribellione e di emarginazione. Per queste persone i tatuaggi non sono solo dei simboli, ma delle decorazioni personali e dei messaggi che esprimono il loro essere interiore.

Prima di cominciare la sua serie, la pittrice ha fatto delle ricerche nella storia del tatuaggio artistico. L’introduzione del tatuaggio in Occidente è arrivata attraverso delle culture che erano considerate selvaggie o barbare. In un primo momento, quelli che usavano il tatuaggio ampiamente nel mondo occidentale, erano dei marinai, dei vagabondi, degli esploratori. Dal momento che il tatuaggio era un identificatore dei marginati della società, questo è anche diventato un simbolo di marginalità. Nella cultura omosessuale , i ciclisti e i marinai coperti di tatuaggi sono identificati come "materiale pesante” , come dei simboli potenzialmente pericolosi e ipermacho in opposizione alla femminilità. Oggi molte donne dello sport hanno tatuaggi. Gli emarginati, i ribelli e le persone marginali e alienate abbracciano la pratica del tatuaggio, che è diventata un modo d‘identificazione e un diritto d’ inclusione nella comunità degli emarginati, così come il tatuaggio era un rito di passaggio e / o un simbolo d’ identificazione nelle culture antiche.

Il tatuaggio è passato da essere un simbolo degli emarginati ad essere un simbolo della rock star popolare, delle modelle e della gioventù postmoderna. Il nuovo spostamento nell’ accettazione pubblica del tatuaggio porta con sé un cambiamento nel suo significato. Il tatuaggio è ormai passato dall’essere uno stigma all’essere considerato un segno di status. L'esposizione ai tatuaggi, nella televisione e altri mezzi di comunicazione, di solito grazie alle celebrità tatuate, ha qualcosa a che fare con l'accettazione dei tatuaggi dalla società di classe media. La cultura tatuata emarginata e la classe media si ritrovano a metà strada, così il tatuaggio viene consentito nella cultura popolare e il mondo del tatuaggio diventa la sua propria sottocultura urbana, spesso associata con il pericolo e la violenza che emanano i tatuaggi delle bande di strada e dei carcerati. Ed è propio questa associazione del tatuaggio con il proibito e la trasgressione, ció che solletica il borghese.

Due distinti gruppi sociali hanno i loro corpi tatuati oggigiorno. Una subcultura del mondo del tatuaggio supera e scende al di sotto delle norme sociali. Dall’altra parte c'è anche un altro gruppo che ha dei tatuaggi, solitamente discreti e spesso nascosti sotto gli indumenti, che appartengono alla elite ricca. Un collezionista snob appartenente all’ elite può pagare migliaia di dollari per ottenere dei tatuaggi di famosi artisti del tatuaggio. Essere tatuato è una forma primitiva molto personale di collezionismo, infatti conosco responsabili di musei che si sono fatti tatuare insieme ai loro coraggiosi custodi, come una forma di eccitazione intensa che l'arte sulle pareti non può fornire loro. Conosco anche un ricco scrittore di canzoni e produttore di famose rock star che è andato in Giappone per farsi tatuare dal collo ai piedi come un atto di ribellione, per identificarsi con una cultura popolare che era disgustosa agli occhi della sua famiglia borghese. I collezionisti e gli artisti del tatuaggio rappresentano un esempio di valori sia positivi che negativi, perché uniscono una serie di norme e di valori contradditori. I collezionisti sentono parlare di questi famosi artisti del tatuaggio grazie al passaparola nel mondo del tatuaggio o attraverso i circoli ristretti della società d'elite del tatuaggio.

Per alcune delle persone che Rita Martorell ha incontrato, i tatuaggi sono come un diario scritto sulla propria pelle, oppure si trattano di motti come "La mia verità è la mia strada" o "La coppia vera" o " Io andrò a cacciare dei mostri per te". I messaggi erano dei segni di emozioni profonde, a volte incantesimi spirituali, a volte un legame permanente a un essere caro. Rita Martorell è una giovane donna catalana ben educata, la cui pelle pallida non ha tatuaggi. Ma lei si é appassionata sempre di più a questo gruppo di persone alienate, coperte di tatuaggi trasferiti alla pelle attraverso un processo doloroso e intenso , e ha cercato un modo per trasferire ai suoi disegni i simboli dei sogni e dei sentimenti di queste persone.

L’autrice era anche attratta dall’ estetica dei disegni in sè e ha pensato che unendoli con i suoi disegni figurativi, sarebbe riuscita a comunicare qualcosa di nuovo e di contemporaneo. Gli stessi disegni erano delle scene intime di nudi, così come i tatuaggi erano intimi e personali . L'ironia di fare un'immagine che fondeva i suoi disegni di corpi con dei corpi disegnati, le era sembrata un’idea attraente. I suoi studi in arti grafiche e in nuovi media l’avevano preparata con gli strumenti tecnici di cui aveva bisogno per raggiungere il suo obiettivo.

Coloro che hanno i tatuaggi sono come chiunque altro - tranne per il fatto che vogliono distinguersi e trasmettere quello che sono. Quelli con i tatuaggi non hanno paura di mostrarsi, perciò li hanno messi sul loro corpo per far sapere agli altri chi sono e cosa stanno facendo. La maggior parte delle persone che decidono di studiare la psicologia di coloro che sono tatuati, associano questi segni a dei simboli criminali e di clan, o che rendono omaggio ai loro cari defunti. Lo psicologo che studia le persone con dei tatuaggi, cercherà normalmente di entrare nel loro stato d'animo, anche se non è facile . Per centinaia di anni i tatuaggi hanno sempre incuriosito da un punto di vista psicologico, e la maggior parte delle persone associava nel passato i tatuaggi con i criminali. Anche se i criminali possono avere dei tatuaggi, sono altrettanto se non di più le persone là fuori che sono tra le più amichevoli al mondo e che hanno un tatuaggio. Guardare i tatuaggi da un punto di vista psicologico può essere a volte ipocrita. Anche se coloro che non hanno tatuaggi cercheranno di capire perché qualcuno li voglia, questo potrebbe ancora essere considerato come un punto di vista psicologico. Coloro che hanno dei tatuaggi hanno avuto un motivo per farli, altrimenti non li avrebbero realizzati.

Questi motivi costituiscono la loro vita segreta. La procedura comporta un intervento associato al dolore, che gli osservatori non possono non immaginare. I tatuaggi spesso commemorano un’ importante esperienza personale. Probabilmente i più documentati e compresi dei tatuaggi tribali carichi di magia, erano quelli destinati al fine d’ incantesimi d'amore e di fascino. I maghi del tatuaggio mescolavano delle erbe e dei potenti intrugli per creare i loro coloranti e applicavano il tatuaggio in una piccola zona generalmente nascosta per attivare la magia. Questi tatuaggi erano tenuti nascosti perché sarebbe stato insensato per un’anziana donna sposata, andare in giro con dei segni di una giovane spensierata.

I primi tatuaggi trovati hanno più di 5.000 anni. Nel 1991, una mummia di 5.300 anni, è stata scoperta nelle Alpi : aveva più di 50 tatuaggi in varie parti del suo corpo, ed è lui è il più antico essere umano tatuato mai trovato. La logica dei tatuaggi cambia da una cultura all'altra nel corso dei secoli. Secondo la storia, gli egiziani hanno usato i tatuaggi per distinguere gli schiavi dai contadini. I tatuaggi si sono diffusi in Cina e poi in Grecia intorno al 2000 a.C., dove erano usati come una modalità di comunicazione tra spie.

Il tatuaggio è stato praticato in Giappone e altri paesi asiatici per migliaia di anni. La prima testimonianza scritta del tatuaggio in Giappone è stata trovata in una storia della dinastia cinese del 297 d.C. Oggigiorno in Giappone, il tatuaggio è considerato tabù, perché molti membri dellaYakuza, la mafia giapponese, portano dei tatuaggi. Oggi in Europa e in America i tatuaggi sono un segno del ventunnesimo secolo e della fusione dei gruppi sociali ed etnici. . Si stima che più del 25 per cento delle persone al di sotto dei 30 anni si fanno tatuare sulla propria pelle. L'espressione personale, l’impulsività giovanile, gli sbagli fatti quando si é ubriachi, sono dei rischi torbidi per la salute, e per molti rappresentano una profanazione deliberata se non patologica del proprio corpo. A un livello più fondamentale e benigno, forse i tatuaggi e i piercing sono semplicemente una forma di auto-espressione, un mezzo di marcare noi stessi in una società che incoraggia questo atteggiamento, sia consapevolmente che inconsapevolmente. I Postmodernisti potrebbero obiettare che questa auto-marchiatura è un mezzo per affermare la padronanza e il controllo sui nostri corpi, un ancoraggio di noi stessi, letteralmente in un periodo della vita in cui l'unica costante è il cambiamento.

Ottenere l'attenzione esibendo un distintivo d’onore, identificarsi con un gruppo, dimostrare un certo rifiuto sociale, tatuarsi con un simbolo per rappresentare un essere caro, ancora in vita o già deceduto, oppure farsi dei tatuaggi che rappresentano delle affiliazioni religiose come le croci e il volto di Gesù o Maria, o anche dei tatuaggi militari che rappresentano il patriottismo. Quindi, forse, non è auto-mutilazione, ma piuttosto la valorizzazione di sé stesso e un ornamento, un mezzo per dire "io sono fatto in un modo e mi faccio notare in un mondo in cui l'identità individuale è immersa nella massa”. Si tratta di una sorta di ostentoso ornamento permanente del corpo che attira l'attenzione cosí come lo farebbe un gioiello. I tatuaggi e i piercing possono dimostrare fedeltà, affiliazione oppure essere un rituale di passaggio. Per alcuni, può essere semplicemente la scarica di adrenalina che accompagna un momento di dolore fisico scelto e controllato da noi, con cui lo spettatore si identifica empaticamente come se fosse un voyeur.

Si dice che la parola Tattoo abbia due grandi radici, cioé 'Ta' la parola polinesiana che significa 'colpire qualcosa' , e 'Tatau’ la parola tahitiana che significa ' segnare qualcosa'. La storia del tatuaggio è iniziata oltre 5000 anni fa, e muta e si diversifica tanto quanto le persone che si fanno tatuare. I tatuaggi vengono creati grazie all'inserimento di materiali colorati sotto la superficie della pelle. In origine, i tatuaggi probabilmente vennero creati per caso. Probabilmente, si diede il caso che qualcuno aveva una piccola ferita, la strofinò con una mano forse sporca di fuliggine e di cenere del fuoco, e una volta che la ferita fosse guarita, si rese conto che c’era rimasto un segno permanente.

I tatuaggi, i piercings, e altre forme di modificazione del corpo sono esistiti nelle varie culture dal momento in cui l’ essere umano é apparso sulla terra. Mentre queste alterazioni del corpo possono esser state viste positivamente nelle società antiche, nella nostra cultura attuale e nella società di oggi molte persone tendono a giudicare male i tatuaggi: chi vede qualcuno con tanti tatuaggi, automaticamente ha dei pensieri negativi. L’associazione dei tatuaggi con la non-conformità è tale che l’attrice Angelina Jolie esibisce fieramente le sue braccia tatuate quando le scattano delle fotografie.

Durante il suo soggiorno in Francia, Rita Martorell divenne un’ appassionata di cinema, e siccome questo interesse persisteva anche al suo ritorno a Barcellona, cominciò a pensare al cinema come una fonte d’ispirazione per il suo lavoro, per via della capacità che i film hanno di evocare delle emozioni forti: le scene, i dialoghi e la musica sono più immediati che i collage.Proprio per mezzo del collage, ha prima introdotto le immagini che aveva sviluppato nelle sue composizioni. Le immagini tatuate sono in realtà una forma di collage digitale che permette la sovvraposizione delle figure fotografate alle immagini fotografate dei suoi disegni originali. Il risultato suggerisce delle figure fantasmagoriche che emergono dai corpi dipinti, come degli spiriti galleggianti, alla maniera dello spirito del corpo del fu Conte di Orgaz mentre ascende ai cieli nella famosa opera di El Greco nel Escorial.

Oggi il tatuaggio è diventato un centro di cultura popolare. Il best-seller internazionale “La ragazza che giocava con il drago” è la sensazione del cinema recente. L'eroina, una hacker che è ha sofferto degli abusi sessuali, ha tutta la schiena tatuata con un drago molto elaborato che è allo stesso tempo bello e repellente come lei . Una volta si credeva che il tatuaggio restava ai margini della società, come se appartenesse solo a motociclisti, marinai, fenomeni da baraccone, ecc.. . Poiché la pratica è stata accettata dalle classi superiori e inferiori della società, c’ è stata un’ unione nell’ accettazione, ed è così come si viene inserito nella cultura popolare. La cultura popolare non è né un’ autentica cultura della classe operaia, né una cultura imposta da parte delle industrie della cultura, ma ciò che Gramsci avrebbe chiamato un equilibrio compromesso, qualcosa tra due mondi, un mix contraddittorio di forze superiori e inferiori, commerciali e autentiche, segnate dalla resistenza e dall’inserimento.

Il fascino attuale dei tatuaggi si vede dalla popolarità del nuovo libro di Justin Spring, “Lo Storiografo Segreto: la vita e i tempi di Samuel Steward, professore, artista di tatuaggi, e rinnegato sessuale “. É la storia di coraggio di un ribelle di sempre, della sua creatività e della tristezza finale. Dopo aver lasciato il mondo accademico per diventare Phil Sparrow, un artista del tatuaggio nel famigerato South State Street di Chicago, come Phil Sparrow, ha raccontato la storia del tatuaggio in America. Sotto il suo nome, ha pubblicato "Caro Sammy", la sua corrispondenza con Gertrude Stein e Alice B. Toklas, oltre a due romanzi di mistero, dove questa coppia figurava come due personnagi, e un libro di memorie, "Capitoli di un'autobiografia". Steward ha compilato "Archivi di uno stallone", delle schede di ogni suo contatto sessuale -quasi 5.000- con dei nomi, delle note e delle osservazioni anatomiche. La sua doppia vita come professore serio e scrittore, artista, fotografo, fuori legge sessuale di talento ma in gran parte sconosciuto, anche noto come artista del tatuaggio Phil Sparrow, e come il pornografo Phil Andros, è una pratica di identità segrete che gli ha permesso di penetrare nel mondo trasgressivo dei motociclisti e dei marinai che ha incontrato da artista del tatuaggio.

Così l'idea stessa del corpo tatuato suggerisce trasgressione e implica il tipo di immaginario sado masochista che uno limita a icone religiose di crocifissioni, di martiri e di flagellazioni. E in effetti, molti dei personaggi tatuati di Martorell assumono delle posizioni che suggeriscono sottomissione, se non schiavitù. La combinazione dei nudi raffigurati con i corpi reali tatuati riunisce i corpi espliciti con i corpi impliciti. Ciò che lei cattura e quello che lascia alla immaginazione dello spettatore è un equilibrio potente. . Ogni spettatore può completare i volti dei loro corpi leggendo i disegni come se stesse leggendo un libro. Viene in mente l'ultimo film di Stanley Kubrick, Eyes Wide Shut, che suggerisce la duplice interpretazione di ciò che accade nel film, che può rappresentare l’ escursione negli inferni sadomasochisti oppure semplicemente la fantasia reciproca di una coppia sposata. Questo è il tipo di proiezione e di irresolutezza che le immagini cariche di Martorell suggeriscono.

L’enigma era un obiettivo surrealista che lei continua a perseguire nelle opere che sappiamo sono costruite da fotografie di persone e di luoghi reali. Che cosa accade nei letti che l’autrice fotografa o nelle vite delle persone tatuate nel cui mondo penetra, sta a noi immaginarlo. Ciò che si vede dipende dall’ analisi finale del contenuto delle paure e dei desideri inconsci dello spettatore.


Barbara ROSE